El Valor de ir “más acá” del canon by Oscar Quiroz

El Valor de ir “más acá” del canon by Oscar Quiroz

He estado en contacto con la obra de Ana Caro desde que era profesor de actuación y verso en la Escuela Nacional de Arte Dramático de Honduras. Recuerdo con claridad la potencia y la gracia de su verso en boca de mis estudiantes, por aquellos días en los que enseñábamos a través de Zoom. Desde entonces, Valor, agravio y mujer de Caro había permanecido en mi cabeza esperando a ser representada, al igual que muchas otras obras del amplio repertorio de teatro clásico hispano.

Cuando la oportunidad de representar la traducción de Valor de DTC, The Courage to Right a Woman´s Wrongs, se presentó en el Departamento de Teatro de Oakland University, no dudé en solicitar la ayuda de Diversifying the Classics, con quienes ya había colaborado anteriormente en su traducción de la obra de Sor Juana Inés de la Cruz, Love is the Greater Labyrinth. En ambos casos, me sorprendió la accesibilidad de la traducción que permite al texto ser más cercano al actuante y al público contemporáneo, pero, a la vez, mantiene la fuerza poética original de la autora. El apoyo de Diversifying the Classics ha sido fundamental para consolidar una identidad docente enfocada en la enseñanza, producción y difusión del teatro clásico hispano, una cosa poco usual en un departamento de teatro en los Estados Unidos. La obra se estrenó el 19 de mayo de 2026 y dio ocho funciones durante dos fines de semana dentro del Studio Theatre en Varner Hall dentro de Oakland University, con una producción hecha completamente por estudiantes de pre-grado. Los vestuarios, diseñados por Toni Davison, fueron hechos al estilo de la moda del siglo XVII, y la escenografía de Lorelei Preiss estaba inspirada en los corrales de comedias, pero adaptando la orientación rectangular del Studio Theatre.

Elegir a representar a Ana Caro, una autora española de origen morisco, resulta un acto político en entornos educativos donde la mayoría de las plazas de producción están ocupadas por autores blancos, más aún cuando se trata del llamado “teatro clásico.” Aun así, la razón más importante para representar a Ana Caro es que era una autora genial y que su obra resulta poderosísima y actual. En ese sentido, tanto los estudiantes como el público se merecen tener contacto con el teatro de un genio de su calibre. Parte de los retos de enseñar y montar a Ana Caro y otros autores hispanos es la lógica de que los autores anglosajones necesitan priorizarse en el entrenamiento actoral estadounidense porque son la base de la actuación clásica y ayudan a desarrollar un skillset más acorde a las necesidades de la industria teatral. Sin embargo, en mi experiencia, si un estudiante de actuación puede vivir en el lenguaje poético de Ana Caro con verosimilitud y pasión, entonces puede hacer lo mismo con cualquier autor de la modernidad temprana. Sin embargo, sigue siendo una lógica difícil de cuestionar en entornos educativos más bien conservadores.

“Lo que se ve no se pregunta”: lo queer en The Courage to Right a Woman´s Wrongs

“Dicen que lo que se ve no se pregunta, mijo” es la icónica respuesta de Juan Gabriel cuando fue cuestionado acerca de su homosexualidad. Con esta frase, el divo de Juárez acertaba quién era sin necesidad de recurrir a excesivas explicaciones. Su respuesta contentaba a todo el espectro de su audiencia, desde aquellos que le veían como icono queer, hasta los que, sabiendo, preferían ignorar lo que a la vista estaba siempre que no se le mencionara explícitamente, pasando por los que de plano no se enteraban de nada.

Lo mismo ocurre con los afectos queer en la obra de Courage. Leonor nos hace saber en su primera escena: “You are mistaken if you think I am a woman, Ribete. The wrongs done to me changed me.” Ya nos está diciendo aquello que no es: una mujer. En la primera escena del segundo acto, en la que Leonor/Leonardo seduce a Estela dentro del palacio, los versos son demasiado ardientes para entenderlos como un simple engaño. Ya para la primera escena del tercer acto, parece que Leonor intentará desengañar a Estela, pero ésta se lo impide. Casi parece que Estela entiende lo que Leonor intenta expresarle. La escena termina cuando Estela le comunica a Leonor que saldrá al campo esa noche (que no ha salido al campo desde la primera escena de la obra) y le instruye a que siga su coche, casi como si le propusiera fugarse.

Con todo esto, resultaba inconcebible que tanto Leonor como Estela terminasen hermanas al final, y casadas una con Don Juan y la otra con Don Fernando. Era más bien evidente que ese “Let us be sisters then” de Estela al final de la obra es un acuerdo de la calle para afuera: lo que se ve no se pregunta.

Los clásicos “más acá”

El reto más grande de hacer la obra de Ana Caro en inglés es convencer a los actores de comprometerse con la magnitud de las emociones y el lenguaje en la obra. El teatro clásico, hispano o de otra tradición, suele plantearse en los estudios de teatro como un reto superior, que por ser lenguaje poético exige que el actor vaya “más allá” de sí mismo para explorar ideas y conceptos que son más grandes. Aunque concuerdo con la idea de que estos textos requieren un compromiso completo de parte del actuante, también me resultó útil acercar la poesía a mis estudiantes y hacerles ver que estos textos no son tan lejanos como ellos imaginan. Así pues, resultó útil invertir tiempo en leer la obra en grupo, para luego leerla en movimiento, al tiempo que invitaba a los estudiantes a crear sus propios sonetos usando la fórmula métrica del soneto en español, pero utilizando su lenguaje cotidiano y tocando temas como el amor, el desamor, la venganza, y el honor. Se trata de volver la poesía algo que es inherente a nosotros y con lo que estamos en contacto todos los días. Esta estrategia ayudó a empoderar a los actuantes en el lenguaje de la obra, volviendo el trabajo de Ana Caro algo que requiere del actuante ir más dentro de sí, o sea, ir “más acá.”

Credits: